中国大提琴作品的演奏及教学研究

作者:未知

  摘 要:众所周知,大提琴的出现最开始是在西洋,后来慢慢发展到中国,我们将它称之为西洋乐器。音乐家钱仁平先生曾经也说过大提琴早在上个世纪70年代的时候,就开始出现了大提琴的演奏者,一百多年过去,从那个时期,大提琴就开始在中国出现,从无到有,并随着时代的发展,中国大提琴也开始步入正轨,逐步走向成熟。本文对中国大提琴的作品演奏及教学研究进行深入讨论。
  关键词:大提琴;作品;演奏;教学研究
  大提琴发展源头在西方国家,但是随着世界的发展,全球化无论是让经济还是文化联系的更加紧密。大提琴的发展一开始只能算区域性的文化,然后慢慢发展到全世界都熟知这种乐器,在这个过程中,整整花费了三百年,直到今天。中国大提琴优秀作品不断出现,让更多的人熟知中国大提琴作品,能够将优秀作品走向世界的舞台。
  一、中国大提琴的艺术历史及音乐作品
  大提琴慢慢被世界接受以及喜爱,说明大提琴是一个非常重要的演奏乐器。在向世界传播的过程中,大提琴不断被完善,直到今天所有人都熟知它,已经成为世界音乐艺术的演奏者之一。
  自17世纪大提琴家多曼尼科·加布里埃利(Domenico Gabrielli)创作了第一首大提琴独奏曲以来,已有不少作曲家专门为大提琴创作乐曲。如18世纪的维瓦尔第、塔尔蒂尼和莱奥等作曲家,都曾模仿小提琴协奏曲而为大提琴写了不少协奏曲;后来在英国、奥地利与法国等地也相继出现了意大利风格的大提琴协奏曲及其他乐曲。至于18、19世纪的古典主义与浪漫主义作曲大师们,如海顿、莫扎特、贝多芬、舒伯特、舒曼、德沃夏克以及柴科夫斯基等,也都大量写作了大提琴独奏曲、协奏曲和有大提琴声部的室内乐,使这一乐器的性能与技巧得到了充分的发挥。其中最常演奏的有巴赫的六首大提琴组曲、博克尼尼协奏曲、海顿的D大调与C大调协奏曲、勃拉姆斯为小提琴与大提琴谱写的a小调协奏曲、舒曼的协奏曲、德沃夏克的协奏曲、柴可夫斯基的《罗可可主题变奏曲》、圣·桑的协奏曲等等。
  在17世纪末,大提琴开始进入中国,我们从历史来看,大提琴首先出现在皇宫之内,之后的时间,我们查证在二十世纪初的时候,一大批外国的音乐家不断涌进中国,其中最多的就是俄罗斯人。在外来文化的冲击下,中国一部分音乐家开始慢慢在中国落地生根。当然,当时中国的演奏还基本上是由外国人来演奏大提琴,在中国大提琴起步的阶段,基本上在演奏会上很少看到中国人的身影,所以在那个时期,中国可以说是没有大提琴的作品[1]。随着时间的推移,中国音乐家慢慢创作出了属于自己的大提琴作品,30年代萧友梅先生创作了中国第一首大提琴独奏作品《秋思》,在一九三七年,马思聪创作了《内蒙组曲》。在一九四零年,中国的首部大提琴作品被搬上舞台,在同一时期,中国的第一个中华交响乐团成立。
  二、中国大提琴作品的发展
  从第一首大提琴作品诞生以后,然后大提琴的作品就开始在中国源源不断的出现。大提琴在中国发展的初期阶段,就出现大批的优秀音乐家,萧友梅的《秋思》、马思聪的《内蒙组曲》、贺绿汀的《摇篮曲》。这些优秀的作品一出世,就被当时的人们所喜欢。在当时,大提琴成为了饭后闲时的热点话题,而且那些时期的作品我们能在舞台上经常能见到。在发展初期,大提琴的作品旋律流畅、结构简单、民族风格浓厚,在演奏中有属于中国独特的风格。
  我们可以说说萧友梅的《秋思》,这首音乐在演奏的时候,我们可以清晰的感受到这首音乐在旋律上十分的活跃轻快。我们可以看到萧友梅这首音乐的创作,没有歌词,只有曲,十分的清爽。看上去有些简陋,但是相比于过去的乐歌,明显有了很大的进步。简单的乐曲有它的好处,就比如儿歌,简单轻快,朗朗上口,所以《秋思》一出来,就让人印象深刻。除了曲子以外,还有演奏方式,有很浓厚的中国特色,有属于中国的演奏风格和独到之处。萧友梅的《秋思》可以说为当时后期的大提琴创作打下一定的基础。
  新中国成立以后,这个时期中国音乐家在大提琴方面的创作就开始减少了,虽然国家对音乐这一块更加的重视了。创作的内容在当时比较贴近生活,我们可以从这些音乐作品中看到现实的社会,在加上新中国刚刚成立,为了回应广大群众的需求,以及社会主义的需求,所以在当时的作品中很少有表达个人情感的创作。之后再这中间,长达十年的时间,都基本上看不到大提琴相关的创作,但是各大艺术学院还是希望能够将大提琴的知识传授出去,说明中国还是十分认同大提琴,由于中国当时的社会背景,所以将当时的革命歌曲进行改变,这些作品我们可以清晰的感受到有强烈的革命色彩。例如陈刚的《红太阳光辉吧炉台照》、祝恒廉《哈萨克最听毛主席的话》。后面这首歌曲是新疆的风格,欢快的调子,轻松的主题以及乐观的态度。直到今天,大提琴完全走向正轨,大提琴的创作走向成熟和繁荣。
  三、中国大提琴作品演奏风格
  (一)独特的音色
  我们把对声音的感受称之为音色,可以说音色在音乐当中扮演一个很重要的角色,让观众在音乐中不知不觉间被吸引。音色把整首音乐的韵味都很完美的诠释出来,让音乐所想要表达的感情更加清晰的体现出来,同时感情的复杂多样,进而在音乐中不断转换。所以,在大提琴演奏过程中,我们必须注意到音色的作用,音色的作用就是把感情融入到音乐中。比如马懋玄创作的《思绪的由远及近》,这个作品有浓厚的个人感情色彩,那低沉的声音却又是那么柔美,我们能从这首简简单单的大提琴作品当中看到了作者对外婆的深深思念,音色在这个作品当中很好的捕捉到马懋玄现实生活当中的内心情感[2]。
  (二)气韵的意义
  要想把一首作曲的气势展现出来,那么大提琴演奏的过程中一定要把气韵融入进去,气韵可以把作品的整体风格和气势展现出来。我们经常能听到一些感染人心的伟大作曲,它似乎赋予了整个作品生命,在耳边一直环绕,迟迟不肯散去。每一个大提琴音乐家都在不断追求作品的气韵,这是一生所追求的方向。在中国大提琴作品的演奏中,一定要把氣韵和意境结合。朱践耳作于1994年的《第八交响乐“求索”》,在演奏形式方面是一首极其简单的作品,一个大提琴,一个敲击乐,但就是在这种看起来极其简单的形势下,却演奏出极为震撼人心的作品,激情高昂却又细致入微,着实是一件伟大的大提琴作品。   (三)留白的作用
  留白的艺术应用很广泛,就拿中国的水墨画来说,简简单单的几笔,看起来并没有什么特色可言,但着着实实特别的有内涵。音乐中也是如此,通过巧妙的运用留白技巧,使得听众能够有想象的空间,不同人的想象的事物不一样,这和人生的阅历有关。所以,在大提琴的作品演奏过程中,一定要展现出音乐的婉转能力。中央音乐学院方冬青的作品《林冲》,很好的运用了留白技巧,不断回转的音调、节奏的疏密、速度的快慢,不禁让听众浮想联翩,在作品结束前把林冲内心的悲愤推向了极致,同时听众内心的悲愤也达到了最高点,然后结束了整首乐曲[3]。
  四、中国大提琴的教学研究
  (一)指导学生对音乐语言的运用
  随着社会的发展,在音乐的创作和演奏上,也融入了各式各样新的手法,这就使得大提琴在音乐语言的运用上具有更多的选择性。所以在教学上我们应该更加注重新的调性和声色彩。朱世瑞所创作的《国殇》,把人物的个性和魅力展现到了极致,我们在欣赏这部作品的时候,无一不被它所震撼。朱世瑞把大提琴的音乐语言运用的恰到好处,它利用音乐语言把大提琴独特的音质完美的表现出来。在教学的过程中,注重对学生在音乐语言方面进行培养和熏陶,不断充实他们的大脑,结合现代一些潮流元素,引导学生去思考以及探索。
  (二)把中华民族情感融入大提琴教学中
  在不同年代,不少优秀的大提琴音乐家在创作的过程中展现出中华民族的情感,创作中融入中华民族情感,这是一个正确的选择。如果此刻的你是一名大提琴教师,那么一定要让学生学习中国的历史典故、人文精神,这对学生在学习大提琴有很大的帮助,学生能够理解不同的优秀作品中的文化内涵,能够理解创作者当时所处在的背景。中国文化博大精深,中国精神源远流长。要想在未来创造出优秀甚至著名的中国大提琴作品,没有中华民族情感的作品也就没有了灵魂。音乐不单是旋律,更是一种艺术,让学生在中国的韵味不断熏陶。
  (三)重视中西方结合
  在教学的过程中,不能仅盯着中国的大提琴作品,而忽视了西方许多优秀的作品。大提琴来源于西方,所以在西方国家,大提琴的沉淀时间要比中国久很多。在课堂上,要将西方作品给学生欣赏,然后再与中国作品进行对比,给学生深入讲解其中的相似之处和不同之处,让学生能够全面了解中国大提琴音乐和西方大提琴的区别。当然这需要教师有很透彻的理解。现在的时代,社会的需求需要创作者在创作的过程中更加的贴近生活,帮助学生更加准确的把握音乐作品的演奏风格,从而更好和更加准确的演奏好大提琴作品,无论好听还是不好听,我们都应当积极鼓励学生。
  五、结语
  随着时代的发展,年轻一辈的大提琴音乐家应该创作出富裕个性的作品,在演奏方面要不断融入新的元素和个性化的演奏方式,让更多的人能够进入艺术的殿堂,享受大提琴的艺术熏陶,希望为大提琴的不断繁荣做出努力。
  [参考文献]
  [1] 刘欣欣,刘学清.中国大提琴艺术发展史[M].上海:上海音乐学院出版社,2009:96-101.
  [2] 宗柏.大提琴演奏艺术300年[M].北京:華乐出版社,2004:72-78.
  [3] 钱仁平.中国大提琴音乐[M].长沙:湖南文艺出版社,2001:145-146.
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