浅谈肖邦《降b小调谐谑曲》中的和声色彩及演奏技巧

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　　【摘要】谐谑曲是17世纪产生的一种音乐体裁，经过了大约两个世纪的历史沿袭后，在肖邦的钢琴音乐中达到了发展的又一高峰期。《降b小调谐谑曲》是肖邦谐谑曲中最具代表性的一首，本篇论文通过对《降b小调谐谑曲》慢板部分的和声色彩及部分演奏技巧的分析，探索肖邦钢琴作品的特殊魅力。
　　【关键词】肖邦;降b小调谐谑曲;和声;演奏技巧
　　【中图分类号】J61
　　【文献标识码】A
　　【文章编号】1002-767X（ 2020） 01-0114-02
　　【本文著录格式】孙婧祎，骞舟浅谈肖邦《降b小调谐谑曲》中的和声色彩及演奏技巧[J].北方音乐，2020，01（ Ol）：114 -115
　　众所周知，肖邦是浪漫主义时期最具代表性和影响力的音乐家，肖邦《降b小调谐谑曲》op31，无论是深刻的音乐内涵还是高超的演奏手法，都堪称上乘之作。他采用大量新颖的和声与夸张又精致的演奏技巧让人体会到肖邦在流亡法国时期内心的彷徨、挣扎和期盼与坚定。
　　一、肖邦与谐谑曲
　　弗里德里克·肖邦（ 1810-1849），浪漫主义时期波兰具有代表性的音乐家。肖邦被后人誉为“钢琴诗人”，他的作品几乎都是为钢琴而作的，比其他作曲家更全面地体现了钢琴的变现力和技术特征，并富于独创性的将旋律、和声、曲式和辉煌的钢琴技巧完美地结合在一起。
　　“谐谑”一词是指用音乐来表现幽默、诙谐的情趣，是一种三拍子的器乐曲，由小步舞曲发展演变而来，之前是一种非标题音乐，但是在后来的标题音乐中也常常采用谐谑曲的体裁。17世纪到19世纪，谐谑曲成为了音乐作品中一种十分流行的体裁，常常作为古典组曲的一个乐章出现。后来，在肖邦和勃拉姆斯的作品中逐渐演变成为独立的器乐曲。肖邦一生创作的四首钢琴谐谑曲规模宏大，主题材料之间有着强烈的对比和冲突，常有一种内在的张力推动着音乐的发展，以此来适应和容纳更为广阔和深刻的内涵。
　　《降b小调第二谐谑曲》op31，创作于1837年，献给费斯登西斯丁伯爵之女，处于向他创作成熟期（ 1839-1846）过渡的时期。作品无论是在调性、和声、曲式、复调的运用以及配器等的创作手法方面，还是在音乐风格方面都体现了作曲家成熟的创作水平，表现出了肖邦钢琴音乐的主要风格特征，具有很高的技巧性和艺术性。
　　二、《降b小调谐谑曲》部分和声色彩分析
　　本首作品中和声与旋律最丰富动听的部分是呈示部的副部主题（第65小节一第117小节），称之为慢板部分。在之前主部主题的矛盾冲突下，由半音阶下行引出了副部主题，使它显得柔美、宽广，仿佛是一首悠扬抒情的歌曲。左手以分解和弦和多变的和声色彩来衬托右手歌唱性的旋律进行，增加了乐曲整体的和声色彩感和抒情性，犹如平静的海面上的小波浪，让听众之前紧张不安的内心变得平静与祥和。可以说肖邦在和声方面是一位伟大的革新者，他在作品中使用了经过音、不协和音以及和弦外音等的写作手法，创造出了一种十分大胆并且新奇的和声效果。在这段音乐中，开始出现了一些小巧玲珑的装饰音，花腔一般的歌唱衬托的旋律线条更加柔滑，使得旋律声部听起来有声有色，温柔但不乏味。附点节奏、级进音程的运用也让乐曲变得声乐化，仿佛真的有人在深情歌唱。
　　这段副部主题刚开始的部分（第65小节），在和声功能进行的基础上，开始加入若干附属变和弦，以此来营造音响上的色彩性。右手呈单音或者音程出现，旋律的进行以波浪形出现，并有两个小节出现了倚音和波音的装饰音，左手则以分解和弦的形式对应右手的旋律给出相应的和声效果。这一乐句的力度变化由弱渐强，较大幅度地使用连音线使旋律更加连贯绵长，节奏也相对宽广柔和，充分展现了这一主题的幻想性和自由性。
　　旋律在不断地往高走，使得力度不断增强，和声色彩的变化也愈发大胆，调性的转换也相对频繁起来，已经不再满足于平行大小调的互相转换。到了本段音乐的后半部分，（第105小节）右手已经不再满足于单音和音程，直接用强有力的和弦奏出，力度也由f逐渐变为ff。和声也开始大量地使用离调，左手的伴奏织体运用了较多的临时变音记号，以此来达到和声色彩的丰富感和流动感，让人觉得温柔中透露出坚定、优美中又伴随着神秘。
　　因为这段副部主题的和声效果如此丰富多彩，给人无限遐想的空间，与主部主题紧张不安的矛盾产生了强烈的对比，又运用力度的强弱对比和乐句呼吸的控制，才使得音乐具有了动静结合、张弛有度的音乐形象。
　　三、《降b小调谐谑曲》演奏问题及解决对策
　　这首《降b小调谐谑曲》，规模宏大，篇幅较长，每个主题所演奏出的感觉都不尽相同，有三处的快板部分是需要大家特别注意和单独练习的。
　　首先，第一处需要尤其注意的演奏难点就是在副部主题后出现的结束部（第118小節一第129小节）。这一乐句的难点体现在右手为跨度很大的上行旋律。由于右手的跨度较大，除了要放慢速度练习，更重要的是需要很好地运用手腕的力量。手腕不能绷得太紧，用手腕的力量带动指尖的力量，推着手指进行力量的转移，每根手指都要有准备地高高抬起，随即迅速触键，然后快速离开琴键为弹奏下一个音做好准备。这句由于速度较快，容易导致右手每个小节的后三个单音都模糊不清，紧跟着下一小节的音程就会出现漏音、错音的现象，弹出来的声音不清晰连贯。
　　第二处需要注意的演奏难点就是插部（第334小节一第364小节）。这一处的音乐出现在宁静浪漫的乐段之后，是本首乐曲中最灵活轻巧的一段。此段的演奏难点依然在右手上，每个乐句的旋律都是由低到高再到低的拱形音型。在慢练保证不出现错音的基础之下，要使每个音都弹清楚，给听者流畅自如、轻快活泼的感觉。力度要随着音高做出相应的渐强和渐弱，每到一句的最高音处要注意弹出重音，一定要注意手指之间的力度转移，肩膀放松，手臂下沉，保证每个音符都扎实有力。踏板也要严格按照谱子上标注来踩，两小节换一次，才能使旋律听起来流动不模糊，富有歌唱性。
　　在整个插部完全反复一次之后，就出现了一段连接展开部的音乐。这段音乐是本篇论文叙述的最后一处需要注意的演奏难点（第476小节一第491小节，见谱例1）。这段音乐不同于前几处，它的旋律声部转换到了左手上，左手多个八度和弦是需要重点突出演奏的，而右手则变成了大跨度的跑动的伴奏声部，需要手指灵活有力的触键，也需要踏板不断地换气，才能使音色不浑浊，依然需要长时间地慢练。在弹奏这段音乐时，力度转换到了左手，右手要变得轻巧，切记不能将左右手的力度用反。
　　这些快板部分的演奏分析，充分说明了慢练、不同的触键手法在演奏本首作品的重要性。要想弹奏好这首作品，不仅仅要多花时间练习，还要用心去感知和体会作者创作时的心理情感，真正把白己融入到作品中，这样才能奏出华彩。
　　通过对这首作品慢板部分的和声色彩和部分演奏技巧的分析，可以看出肖邦这位浪漫主义时期的音乐家对音乐创作中的大胆尝试。他赋予了音乐诗的灵魂，不愧被后人称之为“钢琴诗人”。他的这首作品热情明朗，具有一定的浪漫性、幻想性和戏剧性。这首作品无论是在曲式结构的安排上，还是在创作技术的手段上，或者是在主题思想构想上，都为后来的作曲技法树立了榜样，对后世的音乐家和作曲家有了至关重要的影响力。
　　作者简介：孙婧祎 太原师范学院2018级研究生。
　　指导教师：骞舟。
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