浅论钢琴演奏技巧与音乐表现

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　　【摘要】钢琴演奏的最终目的是表现音乐。这需要两方面要素，一是过硬的演奏技巧，二是良好的音乐表现力。即使演奏者的手指和技术条件再好，但如果缺少对音乐的理解和追求，也弹不出美妙的音乐;反之，即使手指条件稍差，但是如果心里充满对音乐的爱和渴望，他就会有表现音乐的欲望，并为此欲望克服种种困难，演奏出美妙的音乐来。
　　【关键词】技术;技巧;音乐表现;声音艺术;力度变化
　　【中图分类号】J624.1                          【文献标识码】A
　　一、技术与技巧
　　技术和技巧在钢琴演奏中是两个不同的概念：前者是指一种技能，具体指的是手指的独立性、靈活、速度、力度等;而后者则指采取的一些有效方法，包括节奏感、控制力、触键方式、踏板踩法等。这些都是表现音乐的重要手段。演奏者常常可以熟练地弹好那些超级难、超级快的练习曲，但弹不好莫扎特和海顿的奏鸣曲，问题就在于演奏者对音的控制没有概念，对古典音乐风格的理解出了问题，片面以为速度、力度就是技巧，只要速度和力度到位，任何乐曲都一样。
　　优秀的钢琴家会大量采用贴键的弹奏法，这种方法离键盘近，可以更好地控制声音。但是，这种方法在钢琴教学中经常不被重视。很多人习惯于用高抬指弹奏任何乐曲，殊不知，高抬指仅是初级训练手指力度的方法，并不是目的。由于强调高抬指，强调声音的颗粒性，片面地追求速度，因此音乐缺少了歌唱性和美感。
　　高抬指训练很适合德国古典主义时期的作品，但是一旦涉及到浪漫主义时期的作品，演奏者的弹法就很欠妥，尤其在法国印象派音乐作品的学习中，问题会越来越突出。法国印象派风格对声音有特殊的要求，更重视在音色的细腻以及和力度层次感，这就对触键方法提出了新的要求。这种既轻盈又柔和的弹奏方法叫作贴键弹奏法，此方法是最准确、最好听、最省力的弹奏方法。
　　在音阶和琶音技术训练方面的难点不是力度和速度，这两者只要经过熟练练习都可以达到，真正的难度是均匀度。带有乐感的、均匀的音阶才是有意义的练习目的。练习音阶最好是分手练，准确掌握指法，音与音的连接应该是自然娴熟的。
　　技术技巧训练是循序渐进的，需要长时间、持之以恒的练习和听辫，慢练、系统、规范的练习才是有效的练习。除此之外，技术训练必须集中精力，带着要求和目的练习才有效。大脑清晰、精力充沛、专注地练习一个小时，比思想不集中、体力疲倦地练习四个小时更有用。
　　技术技巧训练是一个从量变到质变的过程，只有大量的、有效的、规范而有计划和目的性的练习才能成为有效练习。待技术技巧有了一定的积累和提升后，就要强调音质和音色的重要性，培养耳朵听音的能力，对声音质量的要求更加敏感。
　　二、音乐表现
　　钢琴是一种传达音乐的媒介，我们弹奏钢琴的最终目的是表现音乐、传达音乐的美。音乐是一种具有特殊文法化和表现手法的语言，因此，我们必须严谨读谱，研究作曲家的意图。不仅如此，还要去感受音乐的美。为了感受音乐的美，并不是仅通过音乐故事，而是需要一些理论知识对音乐进行分析，例如复调、和声、曲式、音乐史等。
　　钢琴表演艺术千变万化，不同演奏家对于同一作品的理解和诠释都不一样。所以，演奏家的区别主要表现在着以下几个方面。
　　（一）根据乐曲的属性选择速度
　　分析总结乐曲的结构，安排整首乐曲的布局，音乐的主部主题、副部主题、呈示部、展开部及结束部的处理方法，乐曲就像讲故事一样，一个接一个的剧情发展。
　　力度变化是音乐的具体处理方式，力度的起伏变化可以刻画旋律轮廓。旋律和伴奏在力度上要有层次感和立体感，不能混为一体。渐强和渐弱是对音乐极具表现的手段，渐强表达了越来越紧张激烈的情绪，渐弱表达了越来越放松的情感。每一音符、乐句都是在表达一定的感情。
　　音乐的动力是节奏感，节奏韵律好才能表示演奏好。弹琴需要节拍准，但仅仅节拍准并不等同于节奏感好。节拍是死板的，但节奏是灵活的，节奏属于韵律的范畴，具有艺术审美功能。
　　敏感和声感觉。听觉对于演奏者来说很重要，尤其对和声的听辫。和声完全体现了作曲家的创作意图及风格特点。丰富多彩的和声犹如五彩斑斓的画卷一样刻画着音乐的美。
　　以上几方面的综合处理便形成了对音乐多种多样的表现。
　　三、声音艺术
　　音乐是声音的艺术，是通过声音传达思想感情的。像歌唱家一样，悦耳的声音本身就具感染力。但在钢琴上弹出美的声音来并不容易，因为钢琴天生就不是一种歌唱性的乐器。要想弹出美妙的声音，需要演奏者认真倾听自己所发出的每个声音，要富有乐感。
　　现阶段，钢琴教学对声音品质和歌唱性的训练还不够重视，更重视手指的机械训练，这很容易产生干而生硬的声音。唱和弹是分不开的，一个优秀的钢琴家同时也是一个不错的歌手，在练习时可以边弹边唱，训练乐感和音乐的歌唱性。
　　听觉训练是钢琴教学中必不可少的组成部分。我们要倾听自己所弹的每一个音，包括它的长短、力度、速度以及它们之间的关系。钢琴属于多声部乐器，所以，我们需要同时听几个声部。例如，弹奏任何一首乐曲都要处理各种主次关系，有一定的层次感和分界线，但遗憾的是我们经常听到的是各个声部都弹得一样。分声部演奏、分声部听、分声部背谱显得更加重要，只有这样练习，音乐才更有层次感和立体感。
　　四、力度变化
　　力度是钢琴表演艺术中重要的表现手法之一。音乐是声音的艺术，声音力度的变化是音乐的重要表现方式。力度的变化不仅是简单的强弱变化，而是全方位、多层次的对声音的控制。
　　在贝多芬之前的作曲家们很少用力度标记，音乐处理一般都是演奏者自行安排。比如巴赫从来不写力度记号，莫扎特的作品中有少量的力度记号，但是到了贝多芬就不同了，他的作品中标记了非常详细的力度记号。但是对于演奏者来说，仅仅靠这些力度记号是远远不够的。在演奏者的二度创作中，还有很大空间来提升作品的力度变化。对于同一首作品，有的人弹得平平淡淡，有的人弹得生动感人，大部分原因就是力度变化的处理上，包括横向力度变化和纵向力度变化。
　　一首乐曲最容易感动人的首先是旋律。因此，在演奏过程中，寻找旋律的形状、走向、起伏点是很重要的，有了这些因素，旋律才能完成造型，才能通过细致的力度变化去刻画和雕塑它。
　　钢琴音乐的层次很丰富多彩的。之所以称钢琴为乐器之王，是因为只有这种乐器在表现音乐方面是多层次的，要想把音乐处理得有立体感，就得在力度的变化上下功夫。除了突出旋律外，还要把低音声部和和声根音弹得更深一点，中声部更加地控制好音量，这样，三个明显的声部才能凸显出来。
　　力度变化还表现在对乐曲结构的分析和处理上。作曲家虽然会在乐谱里标记出大的轮廓，但是演奏者如果对乐曲结构没有明确的认识，常常表现不出乐曲的来龙去脉。钢琴演奏不仅需要手指技巧，还需要借助和声、曲式等理论基础来分析。
　　根据不同时代、不同作曲家的风格选择不同的力度范围。巴洛克时期的作品的力度就没有贝多芬那么大、变化那么激烈。同是浪漫派作曲家的李斯特和肖邦，前者的力度变化就比后者大。印象派作曲家的作品即使在轻的范畴中也可以有很多力度层次的变化。
　　五、结语
　　综上所述，美妙的钢琴作品不仅需要演奏者娴熟的弹奏技术技巧，还需要拥有一对“音乐的耳朵”来辨别声音的品质。技术技巧仅是服务于音乐，具有情感的表现力才能为音乐起到画龙点睛的作用。演奏者不仅要积累弹奏技术，还得积累很多音乐理论知识，如和声、乐理、曲式、音乐史等，这样才能帮助他们更深刻地理解和诠释作品。
　　作者简介：许晶晶（1982—），女，重庆人，四川外国语大学重庆南方翻译学院钢琴讲师，硕士研究生，研究方向：钢琴表演与教学研究。
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